Magical girl: de Sailor Moon a Madoka
Historia del género mahō shōjo, de Mahōtsukai Sally en 1966 a Madoka Magica. Orígenes, los códigos del henshin, Sailor Moon, Cardcaptor Sakura y la gran deconstrucción.
La rédaction Kotoba
Studio éditorial
Un broche con forma de luna creciente se abre en un estallido de purpurina. Una colegiala de catorce años levanta el brazo, pronuncia una fórmula («¡Moon Prism Power, Make Up!») y el mundo a su alrededor se disuelve en cintas de luz. Su uniforme escolar se evapora, giran plumas y estrellas, y reaparece con malla, botas blancas y una tiara dorada. Quince segundos después, la transformación termina en una pose. Es el , el corazón palpitante de un género japonés que, desde los años sesenta, convierte a niñas corrientes en portadoras de un poder extraordinario.
El género es uno de los pilares de la animación y el manga japoneses. En seis décadas ha moldeado el imaginario de varias generaciones de niños, vendido montañas de juguetes, conquistado el mundo con Sailor Moon y luego se ha vuelto contra sí mismo en una obra crepuscular que obligó a todo el medio a reinventarse. Contar el mahō shōjo es contar la historia de un Japón que aprendió a poner en manos de las niñas armas hechas de luz, antes de preguntarles cuánto cuesta de verdad un deseo.
La bruja fundadora: Mahōtsukai Sally (1966)#
El primer anime de chica mágica es , emitido por TBS del 5 de diciembre de 1966 al 30 de diciembre de 1968. Adaptado del manga de , serializado en la revista Ribon de Shūeisha desde 1966, sigue a Sally, princesa del reino mágico de Mahōland, que baja a la Tierra para vivir de incógnito entre los humanos. La serie fue producida por , que nunca volvería a soltar el género.
La inspiración está reconocida abiertamente: Yokoyama concibió a Sally tras ver la comedia estadounidense Bewitched (Embrujada), emitida en Japón desde 1966 bajo el título Okusama wa majo (奥さまは魔女). La idea de un ser sobrenatural oculto en la vida cotidiana de un suburbio corriente pasó del ama de casa estadounidense a la colegiala japonesa. Yokoyama, ya famoso por Tetsujin 28-gō (鉄人28号) y Sangokushi, firmaba así casi por casualidad el certificado de nacimiento de todo un género.
Tres años más tarde, Tōei reincidió con , emitida desde 1969 y adaptada del manga de , que se publicaba en Ribon desde 1962. Akko-chan no viene de un reino mágico: es una niña corriente recompensada por los espíritus de un espejo por haber cuidado de su objeto. Ese espejo le permite transformarse en cualquiera. Donde Sally ocultaba una naturaleza mágica, Akko-chan introduce la fórmula decisiva del género: un objeto mágico confiado a una niña del mundo real. Todo el merchandising por venir cabe ya en esa sola idea.
Tōei y la era de los objetos de transformación#
Durante los años setenta, Tōei industrializó la receta, convirtiendo a cada heroína en un catálogo de juguetes viviente. La ruptura comercial llegó en 1972 con , primera serie de chica mágica pensada desde el principio en torno a productos derivados que vender, seguida de un largo linaje agrupado a menudo bajo la etiqueta de las .
El giro estético llegó con , producida no por Tōei sino por el estudio Pierrot y emitida por Nippon TV de 1983 a 1984. Creamy Mami impuso el motivo de la niña que se transforma no en bruja sino en ídolo pop adulta: la transformación se vuelve una fantasía de emancipación y glamour, acompañada de canciones interpretadas por la verdadera ídolo . Es también ahí donde la secuencia de henshin se ritualiza: un tiempo suspendido, espectacular, en el que la cámara se toma su tiempo para filmar cada etapa de la metamorfosis.
Esa década fija los códigos que todo el género declinaría después: la varita o el polvera mágica, la fórmula incantatoria, la doble vida (colegiala de día, heroína en secreto) y la promesa, dirigida a cada pequeña espectadora, de que un objeto anodino puede encerrar un mundo. Los industriales de Tōei lo habían entendido antes que los críticos: no vendían una historia, vendían una varita.
Dale a una niña una varita que se ilumina, una fórmula que gritar y un disfraz que brilla, y no le vendes un juguete: le vendes la convicción de que también ella puede cambiar el mundo con un solo gesto.
Sailor Moon: la fusión que conquistó el planeta#
El terremoto se llama . Creado por , el manga apareció en la revista Nakayoshi de Kōdansha de 1991 a 1997, mientras que el anime de Tōei Animation se emitió del 7 de marzo de 1992 al 8 de febrero de 1997 en TV Asahi. En cinco temporadas y 200 episodios, se convirtió en el mahō shōjo más influyente de la historia.
El genio de Takeuchi reside en una fusión. Hasta entonces, la chica mágica actuaba sola; el relato de acción colectiva pertenecía a los , esos equipos de héroes con disfraz del tipo Super Sentai (el antepasado de los Power Rangers), poblados de chicos. Sailor Moon casa ambos: Usagi Tsukino, colegiala torpe y llorona, se convierte en Sailor Moon y luego se descubre rodeada de un equipo (Sailor Mercury, Mars, Jupiter, Venus), cada una con su color, su planeta, su poder y su carácter. La chica mágica solitaria se vuelve heroína de equipo, y el combate colectivo, durante mucho tiempo reservado a los chicos, pasa a manos de las chicas.
El resto del vocabulario del género cristaliza aquí en su forma definitiva: la secuencia de henshin estirada hasta la apoteosis, la polvera (el «Moon Prism») y la varita como talismanes, el compañero mascota (la gata parlante Luna), la amistad como motor narrativo tanto como el romance con el misterioso Tuxedo Mask (タキシード仮面, Takishīdo Kamen). A ello Takeuchi añade una mitología amplia: un pasado de reino lunar, reencarnaciones, una princesa oculta. La doble vida ya no es un chiste, es un destino.
La exportación fue fulminante. Doblada a unas cuarenta lenguas, emitida de Canadá a Italia, de España (donde llegó en 1993) a Brasil, Sailor Moon dio a conocer la animación japonesa a toda una generación fuera de Japón, a menudo la primera heroína de acción que millones de niñas occidentales pudieron admirar. El manga ha vendido más de 35 millones de ejemplares en el mundo, y la franquicia sigue siendo, décadas después, un imperio de productos derivados.
Antes de Sailor Moon, las niñas veían a los chicos salvar el mundo. Después de ella, sabían que podían salvarlo ellas mismas, en equipo, con uniforme, y sin dejar nunca de ser ellas.
La anatomía de un mahō shōjo#
Bajo la diversidad de series, el género reposa sobre una gramática estable, un conjunto de códigos que cada obra cita, modula o subvierte.
La transformación: henshin (変身)#
El henshin es la firma absoluta del género. En el momento del peligro, la heroína activa su objeto mágico y bascula, durante una secuencia coreografiada, de su vida corriente a su identidad de combatiente. Técnicamente, esas secuencias servían también de metraje reutilizado (stock footage): reempleadas de un episodio a otro, ahorraban un presupuesto de animación considerable a la vez que ofrecían, cada semana, la emoción esperada. Estéticamente dicen lo esencial: una chica puede volverse otra, más poderosa, sin dejar de ser ella misma.
Los talismanes: polveras y varitas#
El objeto mágico (polvera, broche, varita, colgante) es el eje del género y su motor comercial. Concentra el poder, desencadena la transformación y estructura la colección de juguetes. En Sailor Moon, la polvera evoluciona de una temporada a otra, obligando a las jóvenes fans a recomprar la versión más reciente: el relato y la sección de juguetes avanzan al mismo paso.
La mascota#
El compañero mascota (animal parlante o criatura misteriosa) guía a la heroína, le revela su misión y le entrega sus poderes. Luna en Sailor Moon, Kero (Cerberus) en Cardcaptor Sakura. Tierno, a menudo cómico, el mascota es también el mensajero del destino. Una obra sabrá, más tarde, convertirlo en el rostro más escalofriante del género.
La doble vida y la amistad#
Por último, la heroína lleva una doble vida: colegiala banal, heroína secreta. Esa dualidad dramatiza la adolescencia misma: la brecha entre lo que se aparenta y lo que se lleva dentro. Y el relato funciona casi siempre con la amistad, a veces el amor: el poder nace del vínculo, y la soledad es la verdadera amenaza.
Cardcaptor Sakura: la gracia de CLAMP#
En 1996, el colectivo femenino CLAMP publicó en la Nakayoshi de Kōdansha, la misma revista de Sailor Moon. Doce tomos, terminados en 2000, y un anime de Madhouse en 70 episodios (1998-2000) hicieron de Sakura Kinomoto, colegiala de Tomoeda encargada de recapturar las cartas mágicas de Clow dispersadas por accidente, un icono mundial.
Donde Sailor Moon había impuesto el combate colectivo, Cardcaptor Sakura reintrodujo la delicadeza. Sus antagonistas casi nunca son malvados: los conflictos nacen de malentendidos, de amor mal colocado, de protecciones excesivas. Sakura no vence golpeando, sino comprendiendo. Su mantra, «¡Zettai daijōbu da yo!» (絶対大丈夫だよ, «¡todo saldrá bien, seguro!»), se convirtió en grito de unión para una generación.
CLAMP refinó también el género por la estética: en cada episodio, la prima de Sakura, Tomoyo, le cose un nuevo disfraz, convirtiendo la serie en un desfile de moda permanente y haciendo del henshin un acto de estilo tanto como de magia. Cardcaptor Sakura demuestra que el mahō shōjo puede ser tierno sin ser empalagoso, y profundo sin renunciar a la fantasía. La serie ganó el premio Seiun al mejor manga en 2001, y CLAMP le dio una secuela, Clear Card, terminada en 2024.
Pretty Cure: la apisonadora comercial#
En 2004, Tōei Animation lanzó , primera temporada de una franquicia, Pretty Cure, abreviada , que no se ha detenido desde entonces. Emitida cada domingo por la mañana, es hoy el más largo y rentable de los seriales mahō shōjo, con un nuevo equipo de heroínas reinventado casi cada año.
El truco de PreCure reside en una dosificación deliberada: la franquicia reinyecta en el mahō shōjo una acción física de inspiración sentai. Las heroínas no se contentan con lanzar hechizos decorativos; golpean, esquivan, encadenan combates cuerpo a cuerpo. Pensada como la relevista comercial directa de Sailor Moon en la franja del domingo por la mañana, PreCure apunta primero a las niñas, y a la caja registradora. Su merchandising (juguetes de transformación, figuras, disfraces) la ha convertido en una de las máquinas de licencias más lucrativas de la animación japonesa, generación tras generación de jóvenes espectadoras.
Por su propia longevidad, PreCure encarna el rostro más perenne del género: un ritual semanal, un producto derivado anual y la transmisión, de una cohorte de niñas a la siguiente, de la idea fundadora: que se puede ser dulce y poderosa a la vez.
Puella Magi Madoka Magica: la gran deconstrucción#
En 2011, el mahō shōjo se volvió contra sí mismo. se emitió del 7 de enero al 21 de abril de 2011, producida por el estudio Shaft, con guion del dramaturgo , dirección de y diseños de personajes de . Doce episodios que redefinieron lo que podía ser una historia de chica mágica.
La trampa está tendida desde los créditos iniciales. Todo parece familiar: una colegiala tímida, Madoka Kaname; una criatura mascota, , que propone un contrato: convertirse en chica mágica a cambio de un deseo concedido. Pero a partir del tercer episodio, la obra hace estallar el optimismo del género. La revelación central es terrible: las chicas mágicas no combaten monstruos venidos de otra parte; ellas mismas se convierten en cuando su alma, literalmente extraída y encerrada en una gema, se hunde en la desesperación. Kyūbey no es un guía benevolente sino un emisario frío, que cosecha la energía emocional de las niñas para frenar la entropía del universo. El deseo se paga. Siempre.
Madoka Magica invierte cada código instalado pacientemente desde 1966: la mascota se vuelve depredador, la transformación un timo, la amistad una trampa, y la esperanza (希望, kibō) la materia prima de una explotación cósmica. Aclamada por la crítica y colmada de premios (entre ellos el Gran Premio de Animación del Japan Media Arts Festival de 2011), el programa engendró películas, juegos y spin-offs, y marcó de forma duradera la cultura otaku. Sobre todo, demostró que el género, durante mucho tiempo confinado a la infancia, podía sostener una tragedia de acentos faústicos.
Durante cuarenta y cinco años, el mahō shōjo había prometido a las niñas que el poder era un regalo. Madoka planteó la única pregunta que nadie se atrevía: ¿y si fuera un contrato, y quién se embolsaba la apuesta?
Empoderamiento, otaku y debates de sentido#
Más allá de las pantallas, el mahō shōjo arrastra cuestiones que rebasan con mucho la sección infantil. Tres lecturas se cruzan y, a veces, chocan.
La primera es la del empoderamiento femenino. Para millones de niñas, esas heroínas fueron las primeras figuras de acción que se les parecían: poderosas sin renunciar a su feminidad, fuertes por la amistad más que por la violencia, dueñas de su destino. En una época en que la acción era territorio masculino, Sailor Moon y sus hermanas ofrecieron un modelo inédito. La transformación, leída así, se vuelve metáfora de la adolescencia y de la toma de poder sobre una misma.
La segunda atañe al desplazamiento del público. Desde los años 2000, mucho antes de Madoka, ya con obras como Mahō Shōjo Lyrical Nanoha (2004), una parte importante de los lectores del género está formada por hombres adultos, esos que consumen, coleccionan y analizan series concebidas en origen para niñas. Ese público ha alimentado un mercado paralelo de figuras, doujinshi y producciones dirigidas explícitamente al adulto, y ha desplazado el centro de gravedad creativo de una parte del género.
De ahí nace el tercer debate, sobre el sentido mismo del mahō shōjo. ¿Es el género una herramienta de emancipación para las niñas, o un objeto moldeado por y para la mirada masculina adulta? Madoka cristaliza la controversia: ¿obra feminista y trágica sobre el sacrificio, o explotación cínica del sufrimiento de adolescentes para un público de hombres? La crítica nunca lo ha zanjado, y esa es sin duda la marca de un género vivo, capaz de significar cosas contrarias según quién mire.
Un género que no deja de renacer#
Sesenta años después de Sally, el mahō shōjo no se limita a sobrevivir: se reinventa sin tregua. PreCure sigue acumulando sus temporadas anuales, Sailor Moon regresa con regularidad (con el reinicio Sailor Moon Crystal lanzado en 2014), y la onda de choque de Madoka ha engendrado toda una oleada de obras «dark magical girl» que juegan con la tensión entre la inocencia del género y la crueldad de sus premisas.
Lo que hace al mahō shōjo tan tenaz es que habla de una verdad simple y universal: el momento en que una niña descubre que puede actuar sobre el mundo. Ya sea ese poder un regalo luminoso o un contrato envenenado, ya sirva para proteger a sus amigas o para interrogar el precio de la esperanza, la chica mágica sigue siendo el espejo de un tránsito: el de la infancia hacia una potencia que no se había sospechado. De la bruja de Yokoyama al rezo de Madoka, es siempre la misma pregunta la que brilla en el hueco de la varita: ¿qué harás, ahora que sabes que puedes?
Preguntas frecuentes#
¿Cuál es el primerísimo anime de chica mágica? Es Mahōtsukai Sally (魔法使いサリー), emitido por Tōei de 1966 a 1968, adaptado del manga de Yokoyama Mitsuteru e inspirado en la comedia estadounidense Bewitched. Fundó el arquetipo de la niña con poderes mágicos que vive entre los humanos.
¿Por qué es tan importante Sailor Moon para el género? Bishōjo Senshi Sailor Moon (1992) de Takeuchi Naoko fusionó el mahō shōjo solitario con la estructura de equipo de las series sentai, creando la heroína de acción colectiva. Doblado a unas cuarenta lenguas, exportó el género y la animación japonesa al mundo entero.
¿En qué subvierte Madoka Magica el género? Puella Magi Madoka Magica (2011, estudio Shaft, guion de Urobuchi Gen) revela que las chicas mágicas se convierten en brujas cuando desesperan, y que su mascota las explota mediante un contrato faústico. La obra invierte el optimismo tradicional del mahō shōjo.
¿Qué es el henshin? El henshin (変身, «metamorfosis») designa la secuencia de transformación en la que la heroína pasa de su vida corriente a su identidad de combatiente mágica. Es la firma visual del género, ritualizada en especial por Creamy Mami (1983) y Sailor Moon.
El léxico de este artículo
Los términos culturales tratados aquí, cada uno con su definición breve.
- Cardcaptor Sakura
- Querida serie de magical girl del estudio CLAMP.
- Henshin
- «Transformación»: la secuencia icónica en que un héroe o magical girl cambia de forma.
- Madoka Magica
- Anime de 2011 que subvirtió el género de la magical girl con un giro oscuro y trágico.
- Magical girl
- Género de anime sobre chicas que se transforman para obtener poderes mágicos, como Sailor Moon.
- Mahō shōjo
- Nombre japonés del género de la magical girl.
- Pretty Cure
- Longeva franquicia de magical girl que combina ternura con combates de acción.
- Sailor Moon
- Serie de Naoko Takeuchi que definió y popularizó el género de la magical girl en el mundo.
- Shōjo
- Manga dirigido a un público de chicas jóvenes, centrado en las emociones y las relaciones.
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